Der 2. Weltkrieg hat so manchem Komponisten nicht geschadet, insbesondere wenn er mit den Nationalsozialisten sympathisierte und seine künstlerische Kompetenz in ihren Dienst stellte. Hans Carste zum Beispiel, der 1941 das Sturm- und Marschlied der Propaganda-Kompanien komponierte und dessen Fanfarenfragment aus der „Hammond-Fantasie“ seit 1956 im Vorspann der Tagesschau zu hören ist. Oder auch Werner Egk, der 1941 den Marsch der deutschen Jugend sowie die Filmmusik zum Propaganda-Film „Jungens“ schrieb und 2001 von Edmund Stoiber als „markante Persönlichkeit“ bezeichnet wurde. Es zeugt von Selbstreflektion, dass die Carl-Orff-Stiftung den Kompositionsauftrag an Genoël von Lilienstern der Landeshauptstadt München finanziell förderte, da auch ihr Namenspatron dem rassistischen Aufruf nachkam, eine Ersatzmusik für den Mendelssohn'sche Sommernachtstraum zu komponieren.

Dramaturgisch ist der zweistündige Abend, der wie im Flug vergeht, wie ein Memory-Spiel aufgebaut: zu jedem „Objekt“ vor 1945 gibt es ein Gegenstück nach der Stunde Null. „Speere Stein Klavier“ fokussiert sich auf die Kontinuitäten der Diktatur der Nationalsozialisten in Musik, Kunst und Architektur im Deutschland der Nachkriegszeit bis in unsere Zeit hinein – mit einem speziellen Fokus auf München. In einem virtuos inszenierten Zusammenspiel von Schauspiel und Gesang entfaltet sich ein Abend mit diskursiver Wucht. Die Grundlage bilden 999 Dokumente, die in über zwei Jahren gesammelt, gesichtet und ausgewertet wurden. Das Regieteam mit Regisseur Christian Grammel, Dramaturgin Elisabeth Tropper sowie der Bühnen- und Kostümbildnerin Yassu Yabara haben in Zusammenarbeit mit Komponist von Lilienstern ein Stück Zeitgeschichte auf die Bühne gebracht, das nicht nur das unreflektierte Übernehmen kultureller Erzeugnisse in Frage stellt, sondern auch die Kunstform Oper um selbstreflexive Elemente bereichert. So singt der Chor in absurd-witziger Haltung und Sprachformung Teile sogenannter „Dokumente“ – Behördensprache im Falsett.

Fluss warten la-a-a-a-a-ng

Leise Unruhe da kommen sie

Er im Suchen sie immer zu zweit

Rausch Rauschen Stille

Ein Fahrrad kreuzt die Dunkelheit

Euridike erleuchtet

Dunkelheit

Fluss warten verfolgen wir sie

Im Dunkel tritt der Vogel ins Nichts

Orpheus nur im Kreis

Die Liebste perdu

St-i-i-i-i-i-i-imme Puls Glitzer

Eindrücke zu Phone Call to Hades, Uraufführung 31.05.2016 – Theaterakademie August Everding

Es hat 33 Grad und 70 Prozent Luftfeuchtigkeit.  Man würde meinen, man ist irgendwo in den Tropen. Ein Glas Kühles würde sich anbieten. Ab das geht ja nicht. Wir sind im Müllerschen Volksbad bei einer Vorstellung und der Junge, der sicher auch Durst hat, darf auch nichts trinken. Er ist dabei, über die Grenze zur Eigenständigkeit zu singen. seine Freunde sind noch nicht so weit. Sie planschen noch kindlich unten im Becken. Er aber steht schon oben; bereit, den Sprung ins „richtige“ Leben zu wagen. Aber was ist das, das richtige Leben? David Foster Wallace konnte es leider nicht richtig er(aus)leben, auch wenn er, so sagte er selbst, eine glückliche und behütete Kindheit hatte. Der Junge aus dem Volksbad hat die nicht. Seine Eltern sehen nur sich selbst im Mittelpunkt. Aus der Masse des Chores im Becken, der das ganze Volksbad akustisch erzittern lässt, versucht er ständig über die Höhen des Registers alle zu übersingen. Erst als es zu spät ist, merken die Eltern, dass sie dabei sind, ihn zu verlieren und schwimmen kreisend um seine „Insel“ herum, um ihm den Fluchtweg zu versperren. Am Ende sitzt er wieder oben, alleine und fernab von seinen Freunden. Es sieht nicht so aus, als ob er sich seine neu gewonnene Eigenständigkeit so vorgestellt hat.

Nun aber schnell Nachhause zu meiner Tochter. Hoffentlich erwische ich Sie noch wach, um ihr einen Gute Nacht Kuss zu geben.

Ein Probenbesuch bei Speere Stein Klavier am Theater Augsburg

Was macht ein praktisch veranlagter Regisseur wie Christian Grammel, wenn mitten in der Probe plötzlich ein Theaterwissenschaftsprofessor und seine zehn Notizblock zückenden Studentinnen und Studenten ihre Nasen zur Tür hereinstecken? Richtig, er zapft sie gleich als Stellvertreter für den fehlenden Chor als Ressource an! Kurzerhand ordert er unsere Gruppe - Professor Roesner bleibt verschont - in ein hölzernes Kabuff am Bühnenrand, aus dem wir nach und nach in Zeitlupe auf die Bühne steigen dürfen, um mit abwesenden Blicken und neugierigen Händen die dort aufgehäuften historischen Artefakte abzutasten. Eben in apathischer Zombiemanier, wie manch ein Zuschauer die Bayreuther Festspiele verlasse, erklärt Grammel veranschaulichend.

Wie besorgte Antiquare drängen sich die Darsteller von Speere Stein Klavier erfolglos zwischen die von den Eindringlingen untersuchten Gegenstände. Diese Aktenkisten, Kunstobjekte und Möbel stammen aus der Recherchearbeit zu Münchner Künstlern, deren Biographie und Werk zur NS- und in der Nachkriegszeit Kontinuitäten aufweisen. Neben die greifbaren Quellen gesellen sich im Stück neutral präsentierte, nicht sofort kontextualisierte Texte und Musikstücke von Komponisten wie Carl Orff und Werner Egk. Mehr, als eine Wertung vorzunehmen, interessiert den Komponisten Genoel von Lilienstern die Wiederkehr ästhetischer Merkmale, weshalb er für das Musiktheaterstück musikalische „Zwillingspaare“ aus beiden Zeiten einwebt.

Immer wieder entwickeln sich längere Szenen, die durch die nahtlos überfließende Musik nahezu filmisch ineinander überblenden. Zum Beispiel, wenn am Ende einer Schützengrabenszene, deren gesprochener Text bei der Probe sehr exakt vom Korrepetitor dirigiert wurde, bereits Kuhglocken für die nächste erklingen. Hier dürften wir Studenten sogar gerne mitmuhen, ermunterte Grammel. Dieser Probenbesuch war auf jeden Fall kein langweiliger und zu meiner Freude gab es noch genug Möglichkeit zum distanzierteren Betrachten aus Zuschauerperspektive und ein ausführliches Gespräch mit Komponist und Regisseur sowie Dramaturgin Elisabeth Tropper.

Das junge Team hinterlässt mich mit ihrer gar nicht trockenen Untersuchung des immer noch aktuellen Themas von weiterexistierenden rechten Überbleibseln in Politik und Kultur gespannt auf die Premiere am kommenden Sonntag, den 5. Juni, die um 20.00 Uhr stattfinden wird. Ob der Chor dann auch zur Kuhherde mutieren wird?

der Tag war verregnet und wie üblich war ich spät dran. Als ich „an Deck“ ging, haben mich als allererstes (projizierte) Schicksalsweberinnen an den Wänden begrüßt, als ob sie mir sagen wollten: hier und jetzt wird mir gezeigt was war und was sein wird.

Am „Achterdeck“ stand der Dirigent, der wie ein Trommler den Takt an die Ruderer (Orchester) vorgab. Die Darsteller waren über dem gesamten Publikumsbereich verstreut, was den Eindruck vermittelte, man befände sich „mittendrin, statt nur dabei“.  Als sich das Schiff dann endlich anfing zu bewegen, wurden ausgewählte Ausschnitte aus Fitzcarraldo auf die Wand projiziert. Durch das ständige Vor- und Zurückspulen der Clips wurde die Assoziation zahlreicher Rückschläge bei der Eroberung erweckt. Die Protagonisten waren verkabelt, wodurch mir manchmal nicht klar war, wer jetzt denn genau spricht. Ob Kinski auch darunter war?

Das Highlight des Abends ist konzeptuell so naheliegend wie genial; Szenische Elemente aus Metall wurden als Maste dargestellt, hatten dabei aber auch eine praktische Komponente. Sie funktionierten nämlich gleichzeitig auch als Streichinstrumente, die so einen gänzlich neuartigen Resonanzkörper erlebbar machten.

Fitzcarraldo „had a dream“! Caruso hat zwar nie auf seinem Schiff gesungen. Aber es zeigt uns, wie auch immer der Traum verrückt sein mag, man muss daran glauben, dass er wahr wird und darf niemals aufgeben.

Nutzlos wurde dann am Ende nur mein Regenschirm, denn es hatte aufgehört zu regnen.

Also, ich warte vorhin am Stachus auf die Tram, da kommt so ein Verrückter vorbei und flüstert mir ins Ohr “Glaub ihnen nicht” - und ich dachte mir, dass das doch bestimmt ein guter Aufhänger für einen Blogbeitrag wäre, aber dann dachte ich mir, dass mir das doch niemand glaubt, so einen pfarrerspredigtartigen Einstieg, also lassen wir das, obwohl ich bestimmt einen herrlichen Zusammenhang zur Biennale herkonstruiert hätte. Jetzt schreibe ich einen flapsigen Blogeintrag über ein Heute, das eine Konstruktion meiner Suche nach Zusammenhängen ist (und das geht so):

Ich war vorhin in “Mnemo/scene: Echos” und dachte mir, dass man am besten Stephanie Haensler oder Yvolle Leinfelder nachlaufen sollte, die sich unter’s Publikum gemischt hatten, weil die doch bestimmt dahin gehen, wo sich die Installation gerade verdichtet, hab mich aber doch dagegen entschieden, weil es doch ein bisschen awkward wäre, dauernd jemandem nachzulaufen, der viel Arbeit damit verbringt, etwas zu bauen, in dem ich mich frei bewegen kann. Und ich war zeitweilig ganz beglückt vom diesem sehnsuchtsvollen romantischen Idiom, das mal eben so nebenbei den ganzen bierernsten Diskurs über Materialstand für eineinhalb Stunden entsorgt - und das trotzdem nicht restaurativ wirkt.

Ich war vorhin im Symposium zur Biennale und hatte (durch Vorträge über Robert Walser, Marthaler und Häusermann) den Eindruck, dass für das zeitgenössische Musiktheater besonders am heutigen Tag die Schweiz ganz maßgeblich ist. Daniel Ott ist ja Schweizer, natürlich. Und Stephanie Haensler doch auch, oder? Und auf einmal steht da jemand den ich kenne und arbeitet mittlerweile an der Oper Basel. Da hat der Tag eine Überschrift, doch ich habe kein Verhältnis zur Schweiz, weil ich behaupte, kein Verhältnis zu Nationalstaaten zu haben, was natürlich nicht stimmt.

Ich sitze an der Tramhaltestelle und schreibe einen Blogeintrag über das Heute, an dem sich die Frage nach Medialität nicht mehr so arg stellt, die Frage nach romantischer Harmonik ein bisschen mehr - und die Frage nach der Schweiz wäre vielleicht zu stellen, ist mir aber unbekannt.

„Der Georg hat sich in den Fuß geschossen“. Das Publikum lacht verhalten, als wüsste es selbst nicht so recht, was daran lustig ist. Aus solchen Sätzen, kurz und kraftvoll wie hochprozentiger Schnaps, drückt Arno Camenisch sein Erstlingswerk „Sez Ner“, in dem er das Leben auf der Alp in Versatzstücken beschreibt; es geht um Kühe und Schweine, die sich gegenseitig das Blut von den Nasen lecken. Es geht um Sonne, die sich morgens über die Berge hievt und nachmittags lange Schatten ins Tal wirft. Es geht um Zwetschgenwasser und Käselaibe, die im Keller lagern „wie Goldbarren“. Es geht um Wind und Frau und Mann im Wald. Es geht um das nackte Leben.

Ein Donnerstagabend in München; voller Regen, der sich wahrscheinlich wie in „Sez Ner“ irgendwo gegen die Alpen drückt, als wollte er sie auswringen. Wir sitzen in der Black Box im Gasteig und hören dem Mann im schwarzen Hemd und den flachen Turnschuhen zu, den man sich so nur schwer vorstellen kann als Hirte, bis zu den Knien in Kuhscheiße. Aber dann doch: Denn Camenisch liest nicht, er trägt vor. Performt. Hat eine Stimme, die auf den Berg passt, tief und kreidig. Ein alpiner Bass. Beinahe wie ein kehliger Mönchsgesang, wie Musik. Aber strenggenommen eben auch nicht. Es gibt keine Instrumente. Auf meiner Eintrittskarte steht „Lesung“. Und damit ist diese Biennale auch eine, die Grenzen verschwimmen lässt: Was ist Musiktheater? Was ist Musik?

Folgt man einem akribischen Schema, fallen unter den Begriff Musiktheater im weitesten Sinne alle Formen, die dramatische Handlung mit Musik verbinden. Im anschließenden Stück der Doppelvorstellungen, Georges Aperghis „Pub – Reklamen“, imitiert Donatienne Michel-Dansac, eine kleine Französin mit Garçon-Schnitt, verzerrte Fetzen aus Werbungen, sie spricht und flüstert, sie macht alles Mögliche mit ihrer Stimme, sie quietscht und pfeift, surrt und schnalzt. Sie singt. War das ‘mehr‘ Musik?

Wo ist die Schnittstelle zwischen Geräusch und Musik, zwischen bloßer Stimme und Gesang? Vielleicht entsteht sie, als imaginärer Raum, als Nicht-Ort, nur, wo solche Fragen meist enden: im Rezipienten. Denn die Teile aus „Sez Ner“ evozieren, nicht zuletzt durch den doppelten Vortrag auf – für die meisten Zuschauer unverständlichem – Rätoromanisch eine Barthes’sche Lust am Text, die über das Signifikat hinausgehen; man verliert sich in den Wörtern wie ein Wanderer im Wald und meint es, fast zu hören: das Quietschen der Schweine, die zuckenden Blitze, die Schaufel, die über die harte Gebirgserde kratzt. Auch das ist Musik.

Zeit. 

Ein Echo. 

Deine Worte.

Wildnis. Nachbargarten.  Zehenspitzen. Porzellanelefant.  Vergessene Gegenstände. Tönende Umarmung. Begebenheiten. Erinnerungslandschaft. 

Worte, die verwischen. 

Figuren, die verschwimmen. 

Töne, die erklingen. 

Eindrücke, die bleiben. 

Eine Erinnerung. 

Flüchtig. 

Eindrücke der Generalprobe von Mnemo/scene: Echos im Einstein Kultur. Uraufführung: Do, 2.06.16