Leitung: Prof. Dr. Jörn Peter Hiekel (Dresden) und Prof. Dr. David Roesner (München);

Im diesjährigen Biennale-Thema »OmU« klingt die Öffnung gegenüber dem Fremden und Unerwarteten an. Dies meint zunächst das Zulassen von neuen Formaten und Strategien im heutigen Musiktheater. Aber es kann auch auf jene Differenzen oder Querstände der Künste untereinander zielen, aus denen sich neue Möglichkeiten ihres Zusammenwirkens ergeben. Wie aber sehen veränderte Formate, Strategien und Möglichkeiten heute aus? Und in welcher Relation stehen sie zu den Wandlungen in unterschiedlichen Feldern der Gegenwartskunst? Das Symposion sucht Überlegungen wie diese mit Blick auf einige Produktionen der Biennale zu thematisieren, aber greift dabei auch ins Grundsätzliche aus – beginnend mit der durch die Formel »OmU« nahegelegten Frage, was überhaupt ein »Original« ist und welche Erwartungen es in uns weckt.

PROGRAMM & ABSTRACTS

Freitag, 3.6.2016

14.00-14.45
Jörn Peter Hiekel (Dresden): Grenzen und Grenzüberwindungen im
Musiktheater

Dieser Vortrag versucht mit Blick auf verschiedene Beispiele (auch aus den aktuellen Produktionen der Biennale) zu erörtern, wo das Musiktheater heute steht, insbesondere das der jüngeren Generation, das sich meist jenseits der großen repräsentativen Theaterbühnen abspielt. Es trägt die Erfahrungen postdramatischer Strategien innerhalb und außerhalb des Musiktheaters ebenso in sich wie auch Erfahrungen des Umgangs mit visuellen Medien und operiert damit mit einer Fülle von grenzüberschreitenden Möglichkeiten, die vor einigen Jahrzehnten noch undenkbar gewesen wäre.

14.45-15.30
Dieter Mersch
(Zürich): Désoeuvré. Das ‚entwerkte‘ Musiktheater

Die Begriffe des Originals und der Originalität gehören zu den zentralen ursprungslogischen Kategorien des ästhetischen Diskurses seit Beginn der frühen Neuzeit. Sie werden heute, vor allem im Zuge performativer Verfahren, des Zufalls und der Auflösung der Genres in transdisziplinäre Prozesse gesprengt. Gleichzeitig avanciert das Ereignis der Aufführung gegenüber Notation und Partitur zum Maßstab einer ‚entwerkten‘ oder chronisch unfertigen (désoeuvré) Kunst, die weit eher eine Serie von Experimenten inszeniert, als ein geschlossenes Narrativ, um sich in immer neuen und offenen ‚Ungestalten‘ zu realisieren. Der Vortrag untersucht diese Übergänge, die gegenseitige Durchdringung der Künste und ihre chronische Nichteinheitlichkeit, die das Musiktheater, statt musikalischer ‚Schauplatz‘ (theatron) zu sein, in eine fortgesetzte Passage verwandelt.

15.30-16.00 Pause

16.00-16.45
Nikolaus Rajewsky (Berlin): The human Genome - Original and Copy, Score and Orchestra

Das menschliche Genom ist die Summe aller Erbinformationen die als ‚DNS Doppel Helix’ gespeichert sind. Das Genom lässt sich als sehr lange lineare Sequenz von 4 Buchstaben (‚Nukleinsäuren’) darstellen. Diese Sequenz ist mehrere Milliarden Buchstaben lang. Jeder Mensch hat ein individuelles Genom, das er aus dem Genom seiner Eltern bekommt. Doch wie kann diese Sequenz (Partitur) Instruktionen geben aus einer Eizelle einen kompletten Menschen zu formen? Ist diese Information vollständig oder werden auch Erbinformationen über Umwelteinflüsse weitergegeben (‚Epigenetik’)?
Meine biomedizinische Grundlagenforschung fokussiert auf das Verstehen von Mechanismen, die es dem Genom erlaubt sowohl die ‚Blaupause Mensch’ zu kodieren wie auch die Instruktionen, die zur Implementierung dieser Blaupause nötig sind. In meinem allgemeinverständlichen Vortrag werde ich versuchen die modernsten Einsichten darzustellen, die nahelegen, dass das Genom vieles in einem ist – Kopie und Original, Partitur und Orchester. Somit leistet vielleicht auch das Leben selbst einen Beitrag zum Thema der Biennale 2016.

16.45-17.30
Manos Tsangaris (Dresden) und Daniel Ott (Berlin): Wieso ‚Originale’?

Samstag, 4.6.2016

10.00-10.45
David Roesner (München): Die Entwicklung des Musiktheaters als offene Frage:
Christoph Marthalers Unanswered Question (Basel 1997)

In seiner berühmten fünften Harvard Vorlesung zur „The 20th Century Crisis“, die er später in seinem Buch The Unanswered Question. Six Talks at Harvard (Cambridge, Mass.1976) veröffentlichte, stellt Leonard Bernstein die These auf, dass Charles Ives’ epochales Stück The Unanswered Question (1908) eine ganz wesentliche Wegmarkierung für das 20. Jahrhundert darstelle und dass die unbeantwortete Frage des Stücks im Grund laute: „Whither music?” [„Wohin, Musik?“].

In meinem Vortag werde ich daher untersuchen, ob nicht Christoph Marthalers gleichnamiges Musiktheaterprojekt (Basel 1997), in dem Charles Ives’ Stück auch gleich zweimal gespielt wird, nicht eine ganz ähnliche Frage stellt: „Wohin, Musiktheater?“ Bleibt dies auch bei Marthaler eine unbeantwortete Frage oder lässt sich doch ein Credo des Regisseur und Auteurs an seiner Text und Musikcollage ablesen? Welche Wegweiser stellt Marthaler am Ende des ausgehenden 20. Jahrhunderts für das Musiktheater als ästhetisches Ereignis, als Institution, als Diskurs und damit letztlich als Dispositiv auf?

10.45-11.30
Leo Dick: Komponierte Erinnerungsarbeit. Revue und Ritus im Musiktheater Ruedi Häusermann.

11.30-12.00 Pause

12.00-12.45
Regine Elzenheimer (Leipzig): „Solch hergelauf’ne Laffen“
Zur Inversion von Alterisierungsstrategien in Ibrahim Quraishis Saray – Mozart alla Turca und Chaya Czernowins Zaïde – Adama. Fragments (AT)

Im Rahmen des Mozartjahrs 2006 sind zwei Musiktheater-Arbeiten entstanden, die auf sehr unterschiedliche Weise Themen eines Symposiums berühren, das nach der zeitgenössischen ‚Autorität’ von Originalen fragt und auf Fremdheit und Unübersetzbarkeit als Dimension künstlerischer Erfahrung verweist. Beide Arbeiten können als zeitgenössischer Versuch des Umgangs mit einem ‚Original’ gelten, das in der Hervorbringung eines neuen Originals auch den ‚Werkstatus’ des Ausgangsmaterials befragt. Der Medien- und Performance-Künstler Ibrahim Quraishi, der sich als nomadische Existenz versteht, und die israelische Komponistin Chaya Czernowin haben sich mit zwei Mozart-Opern auseinandergesetzt, die dem Genre der ‚Türkenoper’ zugerechnet werden: Die Entführung aus dem Serail und das Fragment Zaïde verhandeln die Gefangenschaft von Europäern in orientalischen Kulturen und können als Beispiele „strategischer Alterisierung“ verstanden werden. Der Vortrag wird versuchen, den zeitgenössischen kompositorischen und inszenatorischen Umgang mit diesen Bildern der Fremdheit als Verfahren der Zersetzung von Identitätskonstruktionen im Spannungsfeld von An- und Enteignung zu skizzieren.

12.45-13.30
Katja Schneider (München): Für heute, morgen und übermorgen. Zur
Tradierung von Pina Bauschs Tanztheater

Als im vergangenen April das Stück Für die Kinder von gestern, heute und morgen (2002) mit dem Bayerischen Staatsballett über die Bühne des Nationaltheaters ging, fand im doppelten Sinn eine Premiere statt. Denn anders als Bauschs durchchoreographierten Werke Le Sacre du printemps oder Orpheus und Eurydike, die im Repertoire des Balletts der Pariser Oper sind, entstand Für die Kinder von gestern, heute und morgen im Modus von Bauschs typischer Fragetechnik. Aus den verbalen und nonverbalen Antworten ihrer Tänzerinnen und Tänzer kreierte die Choreographin das Stück von Null auf und in enger Beziehung zu ihrer Kompanie. Wie lässt es sich auf Tänzerinnen und Tänzer übertragen, die mit Bauschs Arbeitsweise nicht vertraut sind? Der Vortrag untersucht im Hinblick auf die Vorgabe eines doppelten Authentizitätsgebots Strategien der Tradierung und Kontaktzonen der Aneignung.

13.30-15.00 Pause

15.00-15.45
Roman Brotbeck (Bern): Robert Walsers Einfluss auf das Théâtre musical

Es gibt Schriftsteller, deren Werk sofort von den komponierenden Zeitgenossen rezipiert und vertont wurde, so zum Beispiel im Fall der der Texte von Johann Wolfgang von Goethe, Joseph von Eichendorff, Heinrich Heine oder in neuerer Zeit Paul Celan und Nelly Sachs. Und dann gibt es Dichter, mit denen sich die Komponisten erst Jahrzehnte später, manchmal mehr als 100 Jahre nach ihrem Tod, auseinanderzusetzen beginnen, dann aber geradezu besessen, so z.B. mit Friedrich Hölderlin, Georg Büchner und Robert Walser.
Im Falle von Walser haben zu dessen Lebzeiten nur zwei Komponisten Gedichte von ihm vertont. In den letzten 20 Jahren sind gegen 100 Kompositionen zu Texten von Walser entstanden. Dabei steht eine Gattung im Vordergrund: Das Théâtre musical, dessen experimentelle Anlage der überbordenden, in alle Richtungen ausweichenden, mit Masken über Masken fabulierenden Dichtung Walsers gleich mehrfach entgegen kommt. Ich skizziere die Entwicklung dieser experimentellen Musiktheaterprojekte, ausgehend von Wladimir Vogels Flucht (1964) über Mischa Käsers Nettchen (1996) zu Georges Aperghis’ Zeugen (2007), Helmut Oehrings Gunten (2008) und Johannes Harneits und Michel Roths Umsetzungen (2005 bzw. 2011) von Robert Walsers Roman Der Räuber.

15.45-16.00 Pause

16.00-17.15Podiumsdiskussion „(Neue) Medien im Musiktheater“, mit Christopher Balme, Isabel Mundry, Brigitta Muntendorf, Simon Steen-Andersen, Malte Ubenauf.Moderation: Jörn Peter HiekelSonntag, 5.6.201610.00-10.45Tobias Schick (Dresden): Hören und Sehen in unvertrautenZusammenhängen. Über das neue Format der ‚Briefmarkenopern’An der Hochschule für Musik Dresden entstanden unter dem metaphorisch sprechenden Titel „Briefmarkenopern“ seit 2011 zahlreiche kleinformatige Musiktheaterarbeiten, die in den seltensten Fällen klassischen narrativen Strategien folgen, sondern vielmehr Hören und Sehen auf vielfältige Weise in unvertraute Zusammenhänge setzen. Der Vortrag möchte darlegen, auf welch unterschiedliche Arten das Spannungsfeld zwischen Musik und Theater, zwischen Bewegung und Klang in der Generation junger Komponierender, die noch oder gerade nicht mehr studieren, reflektiert wird. In diesem Zusammenhang sollen am Beispiel einzelner Stücke insbesondere Aspekte wie die Umdeutung von Rahmensetzungen, die Musikalisierung von Alltagsgegenständen, konzeptuelle Momente, die Differenz zwischen Sehen und Hören oder der Grenzbereich zwischen ästhetischem Erleben und semantischem Verstehen untersucht werden. 10.45-11.30Martin Zenck (Würzburg): Strategien der Raum-Komposition und die sich selbst beobachtende Szene im Neuen Musiktheater Georges Aperghis – Isabel Mundry – Manos Tsangaris – Mark AndreVon Michel Foucault, dem Meisterdenker des Raums und der Heterotopie, stammt die Einsicht, dass das 19. Jahrhundert noch eines der Zeit war, das vor dem Hintergrund der obwaltenden Fortschrittsideologie linear und teleologisch orientiert war, während das 20. Jahrhundert eines des Raums sei, für das immer mehr Gleichzeitigkeiten in real time innerhalb eines globalisierten Gesamtraums bestimmend geworden sei. Spätestens seit B.A. Zimmermanns „kugelgestaltiger Zeitkonzeption“, mit der die Aristotelische Bulle der Einheit von Zeit, Raum und Handlung endgültig überwunden war, hat sich in der Folge auch die Konzeption des musikalischen Raums im Neuen Musiktheater grundlegend verändert. Statt linear narrativer Erzählkonzeptionen sind Zwischen- und Überräume bei Mark Andre und Manos Tsangaris entstanden, statt zeitlich gerichteter und unumkehrbarer Vorgänge sind sich selbst beobachtende, still gestellte Spiel- und Handlungsräume wie bei Georges Aperghis getreten, statt der Literaturoper, deren Handlungsdramaturgie linear und final ausgerichtet war, konnte ein Musiktheater, wie das von Isabel Mundry, entwickelt werden, das aus einem gewaltigen Epos, wie dem der Odyssee, einen durchklingenden Resonanz- und Sprachraum gestaltete. Diesen vier ganz verschieden konzeptionell verankerten Raumkonzeptionen, ihren neuen Strategien im gegenwärtigen Musiktheater möchte ich mich heute hier auf der Münchner Musiktheater-Biennale zuwenden. Dabei werde ich die vier Modelle nicht im Ganzen verhandeln, nicht im Blick mit den Inszenierungsstrategien, die den neuen Raumkonzeptionen möglichweise korrespondieren und sie wiederum ganz verändert auf den Bühnen- und Theaterraum projizieren, sondern exemplarisch mit Ohr und Auge, besser mit allen Sinnen hinsichtlich ihrer kompositorisch und szenisch verankerten Verfasstheit des musikalischen Raums. 11.30-12.00 Pause12.00-13.30 Podiumsdiskussion „Originale und AutorInnen? Neue Formen der Ko-Kreativität im Musiktheater”, mit Leo Dick, Judith Egger, Christian Grammel, Marion Hirte. Moderation: David Roesner